No filme o diretor Mike Mills tenta divagar sobre o que o amor, sobre quando sentimos o amor, os medos que o amor traz, o medo de se entregar a um novo amor, o medo da desilusão amorosa, a insegurança, a vida a dois, quando a curtição passa a virar relacionamento, quando relacionamento passa a virar casamento e, como diz o título, todas as formas de se amar. E para isso ele segue a vida de Oliver (Ewan McGregor em ótima atuação) que viveu num lar onde o pai e a mãe viveram um romance distante, onde o pai (o espetacular Christopher Plummer) assumiu a homossexualidade aos 75 anos, para isso o filme usa flashbacks que compraram a vida de Oliver na infância, durante a descoberta do pai e dos dias atuais onde ele tenta acreditar no amor com Anna (a bela e talentosa Mélanie Laurent).

O filme, um pouco lento e sem arriscar muito, traz ótimos momentos do trio principal, principalmente Ewan McGregor e Christopher Plummer, e não é a toa que o filme recebeu Gotham Awards de melhor elenco, pois são os 3 que realmente fazem de um filme de uma premissa simples e de uma certa lentidão um filme imperdível.

E por falar no elenco, é impossível falar do filme sem citar o grande Christopher Plummer, que vem colecionando prêmios com seu personagem, um senhor que amou sua mulher e por causa deste amor nunca saiu do armário. Plummer cria um personagem carismático e que emociona em vários momentos, uma atuação que faz deste grande ator o favorito ao Oscar de melhor ator coadjuvante. POr mais que algumas cenas possam chocar, na forma como o ator se entrega a homossexualidade, o ator apresenta momentos marcantes, de uma carreira que vem se redescobrindo a cada novo filme. É bom lembrar que  Christopher Plummer está na versão americana de Os Homens Que Não Amavam as Mulheres.

Mas voltando ao filme, Christopher Plummer não está sozinho, Ewan McGregor surpreende em uma excelente e sincera aturação de um homem de quase 40 ano que não acredita no amor pelas desilusões do passado, mas que vê em seu pai a esperança de amar novamente a bela francesa Anna, a sempre excelente Mélanie Laurent, que faz a versão feminina de McGregor, uma mulher que tem medo de criar raízes, mas que ainda tenta amar.

O filme do diretor Mike Mills pode incomodar um pouco o público com uma certa lentidão, com a voz tranquila de Ewan McGregor ao narrar e até com as indas e vindas para o passado, mas é uma ótima obra sobre o amor e as formas que ele pode aparecer, até mesmo o amor do cachorro pelo seu dono está presente, aliás, o cachorro Cosmo é de fundamental importância ao filme.

Repito que é uma pena que filmes como estes não tenham a chance de chegar ao público na telona, podem não ser um Blockbuster e nem ter nomes que atraiam o público mais jovem, porém são obras que mereciam mais respeito das distribuidoras no Brasil.

Até,
André C.

Toda Forma de Amor (Beginners) – 2010)
Direção: Mike Mills
Roteiro: Mike Mills
Elenco: Ewan McGregor (Oliver Fields), Christopher Plummer (Hal Fields), Mélanie Laurent (Anna), Goran Visnjic (Andy) e Cosmo (Arthur)

Porém o filme se transforma com o passar dos minutos em um ótimo drama, com excelente pitadas de comédia sobre o amor, sobre qual é o verdadeiro amor, quando realmente estamos prontos para amar e será que este é o verdadeiro amor? E esta transformação acontece graças ao grande Paul Giamatti.

Paul Giamatti pega as rédeas do filme e faz um excelente trabalho como um homem que busca sentir o verdadeiro amor. Aliás, alguns podem dizer que Giamatti repete alguns de seus papéis, de um homem sério e com grande humor negro, mas independente disso o ator se aprofunda em seu personagem, e as suas melhores cenas são exatamente aquelas em que o drama se destaca mais do que o jeito turrão de ser, mostrando a versatilidade do ator.

No filme Paul Giamatti faz Barney que em um dado momento de sua vida começa a ter lembranças dos amigos e das suas 3 belas mulheres. A narrativa em alguns momentos até atrapalha o andar do filme, com suas indas e vindas que nos prejudicam em saber o próximo passo na vida de Barney. Vale lembrar que só não nos perdemos no tempo pela excelente maquiagem e direção de arte que consegue reproduzir bem as diferenças de épocas. Memso um pouco confusa, estas indas e vindas nos reservam excelentes momentos de Barney e suas 3 mulheres.

Mesmo com este pequeno problema o filme tem um bom ritmo, e nem quando o filme realmente puxa para o drama o diretor Richard J. Lewis perdeu o foco e não deixou o filme cair em um dramalhão, pois mesmo nas cenas mais fortes, próximo ao fim do filme, ele conseguiu tirar de Paul Giamatti e da bela Rosamund Pike excelentes e grandiosos momentos. Falando ainda de belas cenas, Paul Giamatti e Dustin Hoffman protagonizam belíssimas cenas de amizade entre pai e filho, vale ressaltar que Dustin Hoffman nos apresenta uma ótima e singela atuação.

Claro que não posso deixar de citar as duas principais mulheres da vida de Barney, vividas por Minnie Driver e Rosamund Pike. As duas são completamente diferentes no filme e mostram claramente as diferenças que fizeram Barney amar uma e a outra em seus momentos, mas deixando claro porque uma foi o grande amor dele.

Para finalizar o post digo que A Minha Versão do Amor é um filme extremamente simples sobre as indas e vindas do amor e as dúvidas de um homem sobre seus sentimentos, e mesmo sem grande inovação e sem quere ser único, o filme consegue emocionar sem nunca ser um dramalhão, e consegue fazer rir sem ser uma comédia escancarada, e principalmente faz você pensar ao final do filme, e ainda nos apresenta um ator em excelente forma, mostrando o porque do prêmio de melhor ator no Globo de Ouro de 2011.

Até,
André C.

A Minha Versão do Amor (Barney’s Version) – 2010)
Direção: Richard J. Lewis
Roteiro: Michael Konyves baseado em romance de Mordecai Richler.
Elenco: Paul Giamatti (Barney Panofsky), Macha Grenon (Solange), Rosamund Pike (Miriam Grant-Panofsky), Minnie Driver (The 2nd Mrs. P), Dustin Hoffman (Izzy Panofsky), Scott Speedman (Boogie), Thomas Trabacchi (Leo), Clé Bennett (Cedric), Rachelle Lefevre (Clara ‘Chambers’ Charnofsky), Anna Hopkins (Kate Panofsky), Bruce Greenwood (Blair) e Jake Hoffman (Michael Panofsky).

Muito do que o diretor conseguiu construir neste filme aconteceu pela coragem com que ele teve de abordar temas polêmicos, temas que vão da loucura ao sexo, do amor a traição, do possível ao improvável, mas sem nunca perder o equilíbrio na forma narrativa do filme, sem abusar do terror, sem querer impressionar o espectador com cenas chocantes, mas apenas provocar o terror com as imagens, o diálogo e com um roteiro forte e impactante.

Aliás o roteiro, que beira o absurdo de tão magnífico, usa a velha história do médico louco que é capaz de tudo para realizar os seus sonhos e seus desejos, porém é este pano de fundo que Almodóvar usa para tocar nestes temas polêmicos e que dão ao título do filme diversos significados, dos mais simples aos mais polêmicos. É impossível assistir ao filme e não ter diversas opiniões se formando na cabeça.

E o filme ainda tem um elenco completamente focado no roteiro e dominado por seu diretor, que usa e abusa de closes, do silêncio e deixar sempre alguma coisa para a próxima cena. Apesar de eu ter dito no início deste post que o diretor mais uma vez traz um terror em cima de uma mulher, vemos que ele não poupa em nenhum momento o médico vivido por Antonio Banderas, trazendo para a vida do médico momentos de aflição, solidão e tristeza. E isto só acontece porque Almodóvar conseguiu um Antonio Banderas, absoluto, perfeito e fascinante.

E o que falar da beleza dominante da espanhola Elena Anaya e de como o diretor usa e abusa dos closes em seu rosto perfeito, com a tal pele perfeita que o médico tanto busca. O diretor mais uma vez tira de uma bela atriz atuação marcante, pois ao abusar da beleza da atriz Almodóvar consegue tirar de seus olhos a agonia, o desejo de vingança e a insegurança. Admito que não conhecia a atriz, apesar de estar em alguns filmes que vi, mas desta vez com um diretor confiante de si, corajoso e sem medo de errar, a atriz consegue uma atuação marcante e impressionante.

A nota 4.5 que dou abaixo, após todos os elogios que falei acima, é por causa de achar que Pedro Almodóvar revela os segredos do filme de uma maneira muito rápida, e ele poderia ter aproveitado um pouco mais e provocar um impacto ainda maior, não que isso atrapalhe o resultado final, mas tornaria o filme ainda mais aterrorizante e insano.

Até,
André C.

A Pele Que Habito (La piel que habito) – 2011)
Direção: Pedro Almodóvar
Roteiro: Pedro Almodóvar e Agustín Almodóvar baseados em romance de Thierry Jonquet.
Elenco: Antonio Banderas (Robert Ledgard ), Elena Anaya (Vera Cruz ), Marisa Paredes (Marilia ), Jan Cornet (Vicente ) e Roberto Álamo (Zeca).

Logo no começo do filme conhecemos o pequeno Cyril (Thomas Doret), um menino claramente abandonado pelo pai, mas que ainda acredita que a vida não pode ser tão dura com ele, porém já vemos claramente em seus atos que ele já uma pessoa dura, sem sentimentos e que acaba agindo de forma até violenta quando seus sentimentos precisam florescer. Sua única maneira de fugir da realidade e de ser livre dos seus medos é sua bicicleta.

Aliás os irmãos Dardenne não poupam o pequeno Cyril de nada, fazendo até que em alguns momentos não tenhamos pena de um menino rejeitado pelo pai, pois suas ações as vezes são tão duras que deixam claro que ele é praticamente incapaz de amar a doce Samantha (Cécile De France).

E o filme passeia por estes sentimentos ausentes da vida de Cyril e querendo brotar cada vez mais de Samantha, em que nenhum momento consegue desistir do pequeno menino, querendo no máximo um pequeno gesto de amizade, de carinho e de amor.

Com uma ótima atuação do pequeno Thomas Doret, os irmãos Dardenne não apelam nenhum momento para o melodramático, mas também parecem não querer ousar muito e seguem para um final sem grandes emoções, fazendo apenas um bom filme, mas nada muito impressionante.

A melhor coisa do filme realmente são os dois atores, como já disse o jovem Thomas Doret nos apresenta uma interpretação forte e cheia de amargura indo diretamente contra a sempre boa Cécile De France, aqui mais uma vez empresta a sua beleza e talento para criar uma cabeleireira simples e extremamente doce, pronta para amar.

Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne construíram um bom filme, longe de ser uma obra-prima, mas com muito valor e que com certeza merece a atenção que tem recebido da crítica, não é por menos que já está concorrendo ao Globo de Ouro de filme estrangeiro e foi o vencedor do Prêmio do Jurí em Cannes.

Até,
André C.

O Garoto da Bicicleta (Le gamin au vélo – 2011)
Direção: Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne
Roteiro: Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne
Elenco: Thomas Doret (Cyril Catoul), Cécile De France (Samantha), Jérémie Renier (Guy Catoul) e Fabrizio Rongione (Le libraire).

E até um momento o filme tratava exatamente disso, pois mostrava a transformação de um pacato professor em um homem obcecado em salvar a sua mulher, seja da prisão ou da depressão em que se encontrava.

Porém o filme se perde um pouco quando transforma o drama vivido pelo marido em ação e daí por diante vira um filme totalmente comum e que só não vira um filme fraco pela ótima atuação de Russell Crowe, é o ator que segura as pontas com muita qualidade.

Por sorte o diretor Paul Haggis tinha um ótimo ator vivendo o marido, pois se fosse um ator inciante ou sem a mesma força interpretativa de Crowe o filme não engrenaria em nenhum momento.

72 horas tem ótimos momentos, mas podeira ter brincado muito mais com o espectador se realmente colocasse a todo o momento a dúvida se Lara Brennan (Elizabeth Banks) realmente era a culpada, mas isso ficou de lado praticamente até a cena final.

Até,
André C.

72 Horas (The Next Three Days – 2010)
Direção: Paul Haggis
Roteiro: Paul Haggis baseado no filme Pour elle de Fred Cavayé e Guillaume Lemans
Elenco: Russell Crowe (John Brennan), Elizabeth Banks (Lara Brennan), Michael Buie (Mick Brennan), Jason Beghe (Detective Quinn), Aisha Hinds (Detective Collero) e Liam Neeson (Damon Pennington).

Jodie Foster percorre o filme todo sem abusar ou surpreender, ela começa o filme passando pela vida do protagonista, vivido por Mel Gibson, e vai caminhando lentamente até o momento que o homem passa por uma virada e surge o castor do título original, neste momento a diretora usa e abusa das partes cômicas e das situações inusitadas que acontecem, mas sempre deixando em algum lugar uma ideia clara de que aquilo é passageiro e aquilo vai estourar, ela não quer e nem tenta esconder isso.

E isso fica muito bem registrado na relação do filho mais velho Porter (Anton Yelchin) com seu pai Walter (Mel Gibson), pois Porter nunca reconhece naquele novo homem seu pai, e tudo aquilo vai trazendo momentos tensos na relação entre os 4 integrantes da família Black, e até no relacionamento externo de Porter com sua possível namorada.

O filme é muito simples e preciso, como disse a diretora Jodie Foster não inova e nem tenta fazer algo maior, mas consegue no final passar uma boa mensagem e tirar alguns bons momentos dos seus atores, principalmente de Mel Gibson, que totalmente a vontade traz uma boa, fria e precisa interpretação, mas vale destacar mesmo Anton Yelchin que é responsável pelos melhores momentos dramáticos do filme.

Destaco também a bela Jennifer Lawrence que mais uma vez apresenta qualidade na interpretação e com boas escolhas pode vir a se tornar uma importante atriz.

Até,
André C.

Um Novo Despertar (The Beaver – 2011)
Direção: Jodie Foster
Roteiro: Kyle Killen
Elenco: Mel Gibson (Walter Black), Jodie Foster (Meredith Black), Anton Yelchin (Porter Black), Riley Thomas Stewart (Henry Black), Zachary Booth (Jared) e Jennifer Lawrence (Norah)

O diretor Pablo Trapero tem grande valor na condução do filme, pois pouco a pouco vai se aprofundando na dura e triste realidade de um povo que é usado por aproveitadores que vão desde um motorista de ambulância até médicos, passando, obviamente, por advogados de beira de hospital. E aí acontece a melhor parte do filme, pois o diretor não quer culpar o governo, só quer mostrar que toda uma sociedade se beneficia da corrupção que os cerca de alguma forma, sem ficar procurando culpados ou inocentes, todos fazem parte de um meio.

E o filme continua no caminho certo, apesar de alguns exageros, ao mostrar que Sosa (Ricardo Dárin) percebe que ao se apaixonar precisa mudar de vida, e o drama pesado se mistura com um suspense com altos e baixos, mas mesmo assim nos reserva ótimosmomentos, pois uma vez dentro da corrupção é quase impossível deixá-la para trás sem pagar nada. Neste momento Ricardo Dárin mostra na tela um anti-herói bem diferente do que já estamos acostumados a ver na pele do ator, mas com a já costumeira força impressionante.

Resumindo Abutres consegue bem o que deseja, chamar a atenção do público e até do governo com um grande filme de drama e suspense, mas que denuncia um comércio ilegal de venda de seguros, onde acidentes são forjados e pessoas são usadas no momento de tristeza e desgraça por máfias, tirando alguns exageros do diretor nas partes de ação e na luta de Sosa para deixar seu lado sujo para trás, Abutres se trata de um ótimo filme.

Para finalizar, vale ressaltar a atriz Martina Gusman, que é o par romântico de Dárin, pois também mostra grande talento e consegue se manter do mesmo nível do renomado ator.

Até,
André C.

Abutres (Carancho – 2010)
Direção: Pablo Trapero
Roteiro: Pablo Trapero, Alejandro Fadel, Martín Mauregui e Santiago Mitre.
Elenco: Ricardo Dárin(Sosa), Martina Gusman (Luján), Carlos Weber (El Perro), José Luis Arias (Casal), Fabio Ronzano (Pico) e Loren Acuña (Mariana)

Talvez o que possa afastar o grande público é uma certa lentidão em como a estória é narrada pela personagem de Carey Mulligan, mas o interesse sobre os motivos da vida, sobre o que vale a pena dentro da vida, seja ela breve ou não, são o grande trunfo do filme, já que aqui encontramos 3 crianças que foram concebidas para salvar a vida de outras pessoas.

O diretor Mark Romanek consegue desde as primeiras cenas no colégio mostrar firmeza na forma de como contará a história de uma sociedade que pode curar qualquer pessoa, qualquer doença, mesmo que para isso precise criar jovens que mais cedo ou mais tarde serão usados para doar órgãos e possivelmente morrer antes dos 30 anos. Nas primeiras cenas ele deixa claro que a sociedade aceita aquilo e vê ali apenas órgãos e nunca seres humanos, e mostra isso de uma forma seca, usando muito bem a fotografia um pouco cinza e claramente fria.

Nas cenas do colégio já fica claro que as crianças são moldadas para acreditar que o mundo lá fora é cruel e que passar das cercas da escola pode ser fatal, assim como elas sabem que devem comer de forma saudável, e cuidar da saúde sempre, mas mesmo assim elas possuem sonhos de ter cavalos e de viver um grande amor quando forem adultos, nesta fase fiquei surpreso com a semelhanças da pequena Izzy Meikle-Small com Carey Mulligan já que vivem o mesmo personagem.

O filme ganha contornos ainda mais interessantes quando as crianças se tornam adultas na pele de Carey Mulligan, Keira Knightley e Andrew Garfield, que se tornam jovens frios, mas em busca de um algo, de viver pelo menos um grande amor antes do anunciado fim, principalmente Kath (Carey Mulligan), porém mesmo sabendo o seu destino eles aceitam isso passivamente e isso causa um incomodo do outro lado da tela, uma vez que apesar da busca do amor, e de buscarem nunca estar sozinho, parece que aceitam que o destino delas é salvar vidas, doando seus órgãos e desistindo da sua própria vida. Isso realmente causa uma angústia a quem assiste torcendo para que a força do amor vença.

Não Me Abandone Jamais tem 2 problemas em minha opinião, a lentidão e a presença de Keira Knightley que não traz a força necessária a sua Ruth, principalmente em um momento crucial do filme, aliás, a grande força do filme está em Carey Mulligan, pois ela sim nos traz a frieza e força necessária para viver Kath, que apesar dos sonhos, aceita calmamente o seu destino na esperança que em algum lugar algo melhor irá acontecer.

Até,
André C.

Never Let Me Go (Não Me Abandone Jamais – 2010)
Direção: Mark Romanek
Roteiro: Alex Garland baseada em romance escrito por Kazuo Ishiguro
Elenco: Carey Mulligan (Kathy), Andrew Garfield (Tommy), Keira Knightley (Ruth), Izzy Meikle-Small (Young Kathy), Charlie Rowe (Young Tommy), Ella Purnell (Young Ruth), Charlotte Rampling (Miss Emily), Domhnall Gleeson (Rodney), Andrea Riseborough (Chrissie) e Sally Hawkins (Miss Lucy).

O filme segue a história de John Kipling (Daniel Radcliffe), um adolescente que quer a todo custo entrar para a marinha inglesa e lutar na Primeira Guerra Mundial, e para isso conta com o apoio de seu pai Rudyard Kipling (David Haig) um entusiasta da guerra.

E durante este período de idas e vindas das tentativas de se entrar na marinha o filme fica um pouco paradoe até cansativo, porém mostra o relacionamento de toda a família sobre tal assunto onde a palavra que fala mais alto sempre é a do pai. Uma das cenas mais bacanas nesta fase do filme é a que mostra um relacionamento entre John e sua irmã Elsie Kipling (Carey Mulligan).

Quando tudo dá certo e John vai para a Guerra, o filme nos reserva cenas de uma força impressionante dos 3 atores que ficam de fora da guerra, e que ansiosamente esperam por notícias de John, ou Jack, como é carinhosamente chamado pelos familiares. Neste momento surge David Haig com uma atuação ainda mais forte daque já fazia, sua transformação em entusiasta da guerra em um pai desesperado é algo de ficar marcardo.

Outra que merece destaque é a sempre bela Carey Mulligan, que junto com David Haig tem uma cena de extrema qualidade, de um drama incrível de uma irmã desesperada pelo seu irmão. Os dois dão um show de interpretação e só isso já valeria o filme.

Kim Cattrall que vive a mãe Caroline Kipling também nos reserva boas cenas, mas um pouco mais comedida, já que sua personagem em nenhum momento perde a classe e nem a serenidade na procura do filho, seu desespero é o mais silêncioso, mas talvez o mais dolorido.

Já Daniel Radcliffe, o eterno Harry Potter, fica mais distante do resto do elenco, não por culpa dele, mas seu papel é o mais simples de todo o filme e não acaba tendo a oportunidade de estar a altura do outros três.

Resumindo: Meu Filho Jack tinha tudo para ser um filme comum e descartável, mas com belas atuações e cenas intensas se torna um bom filme!

Até,
André C.

Meu Filho Jack (My Boy Jack – 2007)
Direção: Brian Kirk
Roteiro: David Haig
Elenco: David Haig (Rudyard Kipling), Daniel Radcliffe (John Kipling), Kim Cattrall (Caroline Kipling), Carey Mulligan (Elsie Kipling) e Julian Wadham (King George V).

 

Mas, em minha opinião, Inverno da Alma jamais estaria entre os indicados do Oscar se ainda tivéssemos apenas 5 filmes, mas foi uma maneira da Academia se aproximar destes filmes que não são feitos para o grande público ou para o Oscar, e sim filmes feitos sobre medida para impressionar em festivais, tanto que ele foi premiado em festivais como o Sundance.

O filme é um pouco lento, e com uma fotografia que consegue transferir o inverno americano para o lado de cada da tela, e demora até que comece a se desenvolver, apesar de já sabermos a história desde o começo, porém a diretora Debra Granik parece se ater a detalhes, a personagens para contar também um pouco do ambiente em que vive Ree (Jennifer Lawrence) e isso em alguns momentos atrapalha um pouco, já que alguns não se desenvolvem nem para ter algum momento importante na tela.

Mesmo assim, depois de um tempo, o filme consegue ótimos momentos, é quando a diretora começa a dar mais valor para o roteiro e menos para os detalhes, levando ao filme para um intrigante e interessante climáx, mas isso também se dá a boa atuação da jovem Jennifer Lawrence (X-Men: Primeira Classe ) que fortalece o filme com doçura, afliação e poder dividos em dose certa. Acredito que foi uma ótima indicação ao Oscar até para dar a atriz um entusiasmo para crescer ainda mais.

Além de Jennifer Lawrence vale destacar também o John Hawkes (Milagre em Sta. Ana) excelente no papel do tio que não está nem aí, mas que é totalmente ligado a família e aos seus pequenos sobrinhos. Uma bela atuação que complementa totalmente a atuação de Jennifer Lawrence.

Inverno da Alma não é um filme fácil, falta um pouco de dinâmica no desenrolar dos seus 100 minutos, mas consegue deixar no final uma boa lembrança.

Até,
André C.

 

Inverno da Alma (Winter’s Bone – 2010)
Direção: Debra Granik
Roteiro: Debra Granik e Anne Rosellini baseadas no livro de Daniel Woodrell.
Elenco: Jennifer Lawrence (Ree), Isaiah Stone (Sonny), Ashlee Thompson (Ashlee), Shelley Waggener (Sonya), Garret Dillahunt (Sheriff Baskin), Lauren Sweetser (Gail) e John Hawkes (Teardrop).