Muito do que o diretor conseguiu construir neste filme aconteceu pela coragem com que ele teve de abordar temas polêmicos, temas que vão da loucura ao sexo, do amor a traição, do possível ao improvável, mas sem nunca perder o equilíbrio na forma narrativa do filme, sem abusar do terror, sem querer impressionar o espectador com cenas chocantes, mas apenas provocar o terror com as imagens, o diálogo e com um roteiro forte e impactante.

Aliás o roteiro, que beira o absurdo de tão magnífico, usa a velha história do médico louco que é capaz de tudo para realizar os seus sonhos e seus desejos, porém é este pano de fundo que Almodóvar usa para tocar nestes temas polêmicos e que dão ao título do filme diversos significados, dos mais simples aos mais polêmicos. É impossível assistir ao filme e não ter diversas opiniões se formando na cabeça.

E o filme ainda tem um elenco completamente focado no roteiro e dominado por seu diretor, que usa e abusa de closes, do silêncio e deixar sempre alguma coisa para a próxima cena. Apesar de eu ter dito no início deste post que o diretor mais uma vez traz um terror em cima de uma mulher, vemos que ele não poupa em nenhum momento o médico vivido por Antonio Banderas, trazendo para a vida do médico momentos de aflição, solidão e tristeza. E isto só acontece porque Almodóvar conseguiu um Antonio Banderas, absoluto, perfeito e fascinante.

E o que falar da beleza dominante da espanhola Elena Anaya e de como o diretor usa e abusa dos closes em seu rosto perfeito, com a tal pele perfeita que o médico tanto busca. O diretor mais uma vez tira de uma bela atriz atuação marcante, pois ao abusar da beleza da atriz Almodóvar consegue tirar de seus olhos a agonia, o desejo de vingança e a insegurança. Admito que não conhecia a atriz, apesar de estar em alguns filmes que vi, mas desta vez com um diretor confiante de si, corajoso e sem medo de errar, a atriz consegue uma atuação marcante e impressionante.

A nota 4.5 que dou abaixo, após todos os elogios que falei acima, é por causa de achar que Pedro Almodóvar revela os segredos do filme de uma maneira muito rápida, e ele poderia ter aproveitado um pouco mais e provocar um impacto ainda maior, não que isso atrapalhe o resultado final, mas tornaria o filme ainda mais aterrorizante e insano.

Até,
André C.

A Pele Que Habito (La piel que habito) – 2011)
Direção: Pedro Almodóvar
Roteiro: Pedro Almodóvar e Agustín Almodóvar baseados em romance de Thierry Jonquet.
Elenco: Antonio Banderas (Robert Ledgard ), Elena Anaya (Vera Cruz ), Marisa Paredes (Marilia ), Jan Cornet (Vicente ) e Roberto Álamo (Zeca).

Logo no começo do filme conhecemos o pequeno Cyril (Thomas Doret), um menino claramente abandonado pelo pai, mas que ainda acredita que a vida não pode ser tão dura com ele, porém já vemos claramente em seus atos que ele já uma pessoa dura, sem sentimentos e que acaba agindo de forma até violenta quando seus sentimentos precisam florescer. Sua única maneira de fugir da realidade e de ser livre dos seus medos é sua bicicleta.

Aliás os irmãos Dardenne não poupam o pequeno Cyril de nada, fazendo até que em alguns momentos não tenhamos pena de um menino rejeitado pelo pai, pois suas ações as vezes são tão duras que deixam claro que ele é praticamente incapaz de amar a doce Samantha (Cécile De France).

E o filme passeia por estes sentimentos ausentes da vida de Cyril e querendo brotar cada vez mais de Samantha, em que nenhum momento consegue desistir do pequeno menino, querendo no máximo um pequeno gesto de amizade, de carinho e de amor.

Com uma ótima atuação do pequeno Thomas Doret, os irmãos Dardenne não apelam nenhum momento para o melodramático, mas também parecem não querer ousar muito e seguem para um final sem grandes emoções, fazendo apenas um bom filme, mas nada muito impressionante.

A melhor coisa do filme realmente são os dois atores, como já disse o jovem Thomas Doret nos apresenta uma interpretação forte e cheia de amargura indo diretamente contra a sempre boa Cécile De France, aqui mais uma vez empresta a sua beleza e talento para criar uma cabeleireira simples e extremamente doce, pronta para amar.

Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne construíram um bom filme, longe de ser uma obra-prima, mas com muito valor e que com certeza merece a atenção que tem recebido da crítica, não é por menos que já está concorrendo ao Globo de Ouro de filme estrangeiro e foi o vencedor do Prêmio do Jurí em Cannes.

Até,
André C.

O Garoto da Bicicleta (Le gamin au vélo – 2011)
Direção: Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne
Roteiro: Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne
Elenco: Thomas Doret (Cyril Catoul), Cécile De France (Samantha), Jérémie Renier (Guy Catoul) e Fabrizio Rongione (Le libraire).

Porém quem tiver a chance de ver Amor e Ódio era se surpreender positivamente sobre um filme que mostra a Guerra, longe da Guerra, pois traz a França dominada pelos Alemães, dando bastante ênfase ao lado político da França de Vichy, liderada pelo Marechal Pétain (Roland Copé) e pelo vice-presidente Pierre Laval (Jean-Michel Noirey), onde os acordos para a rendição da França e para manter o “poder” tiveram que entregar mais de 10 mil judeus para os Nazistas.

E para mostrar o lado político influenciando na vida conhecemos algumas famílias judias que vivem aos redores de Montmartre e que possuem seu dia a dia mudados completamente, cada momento uma nova decisão do governo, manipulado pelos nazistas, seja o uso de uma estrela amarela até a proibição de frequentar parques! Além destas famílias vemos a figura de uma enfermeira, que não acredita no que está vendo, que tenta lutar sozinha contra o desrespeito ao ser humano. O filme mostra bem este lado de esperança das pessoas em ajudar ao próximo e de principalmente acreditar que nada daquilo poderia acontecer e que a França jamais cometeria aqueles atos.

E o filme se torna ainda melhor por causa de um ótimo elenco, encabeçado por Jean Reno, que mesmo em uma papel secundário mostra todo o seu talento e domina o filme quando aparece na tela, mas o destaque é mais uma vez a bela Mélanie Laurent (Bastardos Ingórios e Não Se Preocupe, Estou Bem!), que encarna com o coração a sua relação afetiva com as crianças, seu talento dramático é colocado a prova perto do final do filme. Melánie é uma das musa deste blogueiro e mais uma vez dá um show de interpretação.

Além de Reno e Laurent, as crianças estão muito bem com destaque para os gêmeios Mathieu e Romain Di Concerto no papel do pequeno Nono, mas ainda destacam-se o comediante Gad Elmaleh no papel do pai da família Weismann e sua esposa, a belíssima, Raphaëlle Agogué, todos juntos formam de Amor e Ódio um filme de um tema batido, mas de excelente qualidade.

Até,
André C.

 

Amor e Ódio (La rafle. – 2010)
Direção: Rose Bosch
Roteiro: Rose Bosch baseada em uma história real.
Elenco: Jean Reno (Dr. David Sheinbaum), Mélanie Laurent (Annette Monod), Gad Elmaleh (Schmuel Weismann), Raphaëlle Agogué (Sura Weismann), Hugo Leverdez (Jo Weismann), Mathieu e Romain Di Concerto (Nono Zygler), Oliver Cywie (Simon Zygler), Sylvie Testud (Bella Zygler), Anne Brochet (Dina Traube), Denis Menochet (Corot), Roland Copé (Maréchal Pétain), Jean-Michel Noirey (Pierre Laval), Udo Schenk (Adolf Hitler) e Franziska Schubert (Eva Braun)

 

Naquele momento Lulu se apaixona definitivamente por Pablo e depois de casar o sexo passa a ser mais do que presente na vida deles, mas algo em que se busca insanamente, participando de jogos, caçando travestis e Lulu passa a se tornar obcecada por sexo e pelos prazeres que o jogo em busca dele pode trazer, porém ela não percebe os perigos que estão a sua volta, até que ela decide seguir seu próprio caminho (não contarei o motivo, para não atrapalhar quem ainda não viu). Durante esta busca ela percebe as diferenças entre sexo e amor.

Acho interessante a ideia do filme de mostrar uma menina inocente se tornar uma mulher sedutora, sedenta por sexo, porém o filme me pareceu querer apelar para algumas coisas e deixou de lado esta busca real da Lulu para descobrir os prazeres do seu corpo. Usando e abusando do belo corpo de Francesca Neri o filme realmente deixa o roteiro de lado para chocar, e algumas cenas, como a cena que faz Lulu largar o marido realmente chocam.

O filme não é de todo fraco, Francesca Neri tem uma boa atuação,mas destacaria María Barranco como a travesti, muito boa em sua interpretação e ainda temos uma pequena ponta de Javier Bardem como um homossexual em busca de aventuras sexuais.

Para terminar o post o filme tem uma excelente premissa, muito boa, mas se perde ao querer usar demais as belas curvas de Francesca Neri, e aprecentar vários tipos de jogos sexyais, e por final torna-se um filme comum, mas que poderia ser um algo mais.

Até,
André C.

 

As Idades de Lulu (Las edades de Lulú – 1990)
Direção: Bigas Luna
Roteiro: Bigas Luna e Almudena Grandes, baseados em um conto de Almudena Grandes.
Elenco: Francesca Neri (Lulú), Óscar Ladoire (Pablo), María Barranco (Ely), Fernando Guillén Cuervo (Marcelo), Rosana Pastor (Chelo) e Javier Bardem (Jimmy).

 

O diretor outra vez faz uma análise dos problemas, ou melhor, das doenças do mundo moderno e de como as pessoas, normalmente tristes e sem esperança, tentam sobreviver e acreditar em um mundo mais bonito, e aqui não é diferente, pois o personagem de Javier Bardem (Uxbal) não tem esperanças de um mundo mais alegre, apenas tenta fazer o bem e deixar tudo arrumado para o fim.

Usando e abusando de uma fotografia mais pesada, escura e com algumas tomadas exageradas o diretor passa ainda mais o ar sufocante da vida de Uxbal, e isso só não se torna cansativo, irritante e pesado demais, pela presença de Javier Bardem, que faz de seu Uxbal um personagem forte, sincero e altamente envolvente com o público. Só por causa do ator o filme consegue vencer as barreiras do cansaço e se tornar um filme no mínimo interessante e atraente.

O cinema Alejandro González Iñárritu, em minha opinião, tem grande valor, mas não inova e tem sempre um pouco do mesmo, e tem se tornado meio batido, aqui, como já frisei, só tem qualidade pela força de Javier Bardem na tela, e é por causa disso a nota abaixo.

Até,
André C.

Biutiful (Biutiful – 2010)
Direção: Alejandro González Iñárritu
Roteiro: Alejandro González Iñárritu, Armando Bo e Nicolás Giacobone.
Elenco: Javier Bardem (Uxbal), Maricel Álvarez (Marambra), Hanaa Bouchaib (Ana), Guillermo Estrella (Mateo), Eduard Fernández (Tito), Cheikh Ndiaye (Ekweme) e Diaryatou Daff … Ige

Digo que preciso rever porque tenho uns 18 anos a mais e porque achei Morangos Silvestres espetacular, uma obra pura e ao mesmo tempo intensa sobre um homem que percebe que a vida passou e que muitos bons momentos ficaram para trás, e que sua vida que parecia tão exata e precisa, ficou vazia.

A forma como Ingmar Bergman viaja pelas lembranças do médico Isak (Victor Sjöström), durante a sua viagem, não quer simplesmente provocar emoção, mas mostrar pequenos momentos que ficam marcados.

Nossos erros, nosso dilemas e atitudes que podemos tomar e que podem no marcar por uma vida toda, está tudo ali, de maneira simples, sem apelar para sentimentalismo barato. O diretor consegue fazer um road movie pelas lembranças de um senhor, que percebe que ainda pode recuperar o tempo perdido, com uma simplicidade maravilhosa e que nos leva a uma viagem dentro da nossa vida.

Único defeito do filme é que ele é curto e de tão sensacional que é, passa rápido demais.

Uma obra-prima do cinema!

Até,
André C.

Morangos Silvestres (Smultronstället – 1957)
Direção: Ingmar Bergman
Roteiro: Ingmar Bergman
Elenco: Victor Sjöström (Dr. Isak Borg), Bibi Andersson (Sara), Ingrid Thulin (Marianne Borg), Gunnar Björnstrand (Dr. Evald Borg), Jullan Kindahl (Agda), Folke Sundquist (Anders) e Björn Bjelfvenstam (Viktor)

Um filme sobre fato reais pode perder a força por muitos já saberem o final, mas a maneira como tudo é contado aqui, a dinâmica, a boa presença dos atores, o braço firme do diretor, fazem do filme uma grande produção que vai ganhando força com o passar dos minutos.

A mescla de ficção, com imagens reais também funciona muito bem no filme, mostrando a trajetória do grupo durante anos perigosos de uma Alemanha em reconstrução e querendo achar sua identidade mundial (capitalismo, comunismo, etc).

O único problema do filme, por ser longo, talvez seja a parte do tribunal/prisão (um pouco longa e em certos momentos cansativa) e algumas passagens meio aceleradas ao longo da trajetória do filme, que talvez tenham ficado meio largadas justamente por se tratar de uma história longa em um filme já longo. O importante é que estas falhas de não estragam o resultado final.

Isso tudo graças ao diretor Uli Edel que teve o braço firme e conseguiu tirar dos seus atores, principalmente de Moritz Bleibtreu (Andreas Baader) e Johanna Wokalek (Gudrun Ensslin) , excelente performances. Só assim o filme conseguiu manter o alto nível mesmo com os problemas já citados de roteiro.

Resumindo: Der Baader Meinhof Komplex tem pequenos problemas, mas mesmo assim é um filme intenso, tenso e dominante nas suas 2:30 de filme.

Até,
André C.

O Grupo Baader Meinhof (Der Baader Meinhof Komplex – 2008)
Direção: Uli Edel
Roteiro: Bernd Eichinger com colaboração de Uli Edel baseado em livro de Stefan Aust
Elenco: Martina Gedeck (Ulrike Meinhof), Moritz Bleibtreu (Andreas Baader), Johanna Wokalek (Gudrun Ensslin), Nadja Uhl (Brigitte Mohnhaupt), Stipe Erceg (Holger Meins), Niels-Bruno Schmidt (Jan Carl Raspe) Vinzenz Kiefer (Peter-Jürgen Boock) e Simon Licht (Horst Mahler)

Stella (Léora Barbara) é uma criança diferente das demais, por ter uma relação mais livre com seus pais, por ser criada em um bar, ela aparenta ser mais madura, mais vivida e parece entender que a vida é ela e apenas ela, que o que está a sua volta não mudaria isso. E vamos percebendo isso através de suas narrações das imagens que vemos, seja no bar de seus pais, ou na escola.

Este ritmo vai muito bem até Stella começar a ter problemas com seu ambiente, com a adolescência, com os pais e perceber que ela pode fazer a diferença em sua vida, que ela não precisa ser apenas mais uma naquele ambiente em que vive.

Neste momento o filme parece querer ir para um lado, algumas coisas que acontecem no bar e na família de Stella que são importantes para a mudança da personalidade dela, ficam meio jogados e perdemos um pouco daquela intimidade que criamos com Stella no começo do filme.

Isso não estraga o filme, mas quebra seu ritmo. Se a diretora Sylvie Verheyde deixasse cirar uma intimidade de verdade com Stella o filme estaria entre os melhores que vi este ano.

O filme deve agradar quem gosta de filme sobre a transformação de crianças, de um bom filme francês, mas não é um filme comum e que não deve agradar quem apenas quer um filme para passar o fim de semana.

Stella (Stella – 2008)
Direção: Sylvie Verheyde
Roteiro: Sylvie Verheyde
Elenco: Léora Barbara, Mélissa Rodriguès, Laëtitia Guerard, Karole Rocher e Benjamin Biolay

Posso ser mal interpretado ao escrever que este é um dos filmes mais comuns da grandiosa carreira de Pedro Almodóvar.

A diretora Anne Fontaine fez um filme praticamente impecável na parte técnica, apoiada em um belíssimo figurino (indicado ao Oscar), uma direção de arte de alto nível para um filme de época e uma belíssima fotografia, porém em nenhum momento a diretora e o seu roteiro, baseado no livro de Edmonde Charles-Roux, conseguem nos passar emoção ou certo afeto com a órfã Gabrielle Chanel (Audrey Tautou).

Talvez, em minha opinião, o maior problema do filme foi justamente não provocar emoções em quem assiste e a causa disso talvez tenha sido querer separar ou esconder a Coco Chanel de sucesso e de um nome que mudou a cultura da moda, e focar apenas numa pobre menina que tinha suas convicções, que amou e sobre aproveitar o que seus homens poderiam lhe dar, mas faltou algo que nos fizesse torcer pelo sucesso (já sabido) da protagonista. Faltou alguma coisa para que sentíssemos uma ligação com a personagem e fizesse desta biografia algo a altura do poder que Coco Chanel teve no mundo, e não só na moda.

Li em algumas revistas na época do lançamento do filme que faltou carisma e força a atuação de Audrey Tautou, como se sabe sou fã da atriz, e acho que ela esteve bem e deu uma personalidade forte a Coco Chanel, mas como o filme focou demais nos romances da estilista (cansando em certos momentos) Audrey Tautou não pode fazer mais o que fez, e é assim, uma das boas coisas do filme.

O elenco de apoio masculino está muito bem, destaque para Benoît Poelvoorde como o barão dono de um romance conturbado com Coco, aliás, foi ele quem deu a Gabrielle o apelido de Coco.

Como disse no começo do post o filme é muito bem feito e tem uma ótima aparência, mas é só, o roteiro dá voltas no mesmo lugar, transformando a história da estilista em uma história de romance de idas e vindas. Um filme que não vai a lugar nenhum e que não soube nem aproveitar a forma como Coco vai trocando seu estilo e suas roupas. O roteiro bem fraco faz com que o filme não trate com devida precisão a biografia da estilista.

Coco Antes de Chanel (Coco avant Chanel – 2009)
Direção: Anne Fontaine
Roteiro: Anne Fontaine e Camille Fontaine baseado em livro de Edmonde Charles-Roux
Figurino: Catherine Leterrier
Elenco: Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde, Alessandro Nivola, Marie Gillain e Emmanuelle Devos